Анастасия ДУБАЧ: «Я определенно планирую развивать темы осмысления течения человеческой жизни»

0
57

В конце октября 2018 года художник и скульптор Анастасия Дубач представила в Ботаническом саде МГУ «Аптекарский огород» новую выставку своих скульптурных работ «Время жизни» (ранее мы уже рассказывали о ней — прим. ред.). Ускользающая красота настоящего, быстротечность человеческой жизни, миг запечатлены в её работах. Именно поэтому для скульптур, представленных в экспозиции был выбран автором такой нестандартный материал, как обычная тыква… О «времени», о выставке, о себе и своём творчестве рассказывает Анастасия в интервью читателям «АртМосковии».

– Как появилась идея выставки «Время жизни» и почему выставка получила такое название?

– Идея выставки появилась около года назад благодаря, как ни странно, Карлу Брюллову. В Италии я увидела эскиз его картины «Всеразрушающее время», который он писал прямо перед своей смертью. Эскиз был почти в натуральную величину будущего живописного полотна и выглядел очень впечатляюще. На нем во главе композиции стоит такой микеланджеловский крылатый старец с развевающейся бородой, а у него ног с пьедестала летят вниз греческие боги и библейские пророки. Стоя у этой картины, я, пожалуй, впервые задумалась о том, сколько времени у нас есть, сколько его нам отведено. Ведь его у нас не так много, как кажется — все ли мы успеем сделать, что планируем, все ли стремления сможем осуществить? Тогда же и родилась мысль о выставке «Время жизни». Это проект о том коротком отрезке времени, в который мы живем, о том, как мы сами видим это время, как мы мечтаем, стремимся что-то успеть, что-то важное сделать. Но при этом, помня о быстротечности нашей жизни, важно ведь уметь и насладиться этим коротким отрезком. Наверное, поэтому, в частности, мои скульптуры представляют собой богов античности — греки умели наслаждаться отведенным им временем. Вопрос в том, умеем ли мы.

– Для этого проекта вы создали серию скульптур древних богов и героев, неожиданно вырезав их головы и торсы из обычных тыкв. Можно сказать, что вы совместили почти несовместимые вещи. Почему выбрали такое неожиданное сочетание материала и формы?

– Немного отойду в сторону от вопроса и поясню, что для меня представляет собой как таковое видение художника. На мой взгляд, художник это не тот человек, который умеет наблюдать только передний край действительности, он смотрит дальше, шире и глубже — куда-то в неизвестную даль, которая для обывателя чаще всего скрыта за дымкой вещей, находящихся прямо у него перед глазами. Совместить эти два плана — передний, бросающийся нам в глаза, и тот, что скрыт в дымке, — важная и сложная задача для художника. Я попыталась решить эту задачу, взяв, на первый взгляд, два почти несовместимых элемента — простые тыквы и головы античных богов, которые мы привыкли видеть только в белом благородном мраморе. Античная скульптура — это такой символ вечной классики, что-то такое незыблемое нашей цивилизации, неизменное, такая твердая точка отсчета. Но вместе с этим, нельзя забывать и то, что время античных богов прошло, и прошло безвозвратно, они проиграли свою войну за бессмертие, остался только этот мрамор, по сути просто пустая твердая форма. И когда я вырезаю античную голову из тыквы, я вскрываю именно эту сторону жизни древних богов — их смерть, а не вечное мраморное существование. Ведь эти головы живы, пока живы тыквы — они медленно гниют и увядают вместе со своим материалом. Получается, что разница между простыми тыквами и античными богами не такая уж и большая. Мне было интересно и важно это показать.

– В тексте к выставке можно прочесть о том, что вы призываете зрителя почувствовать «ускользающую красоту настоящего». Что для вас красота и где, на ваш взгляд, сегодня можно её обнаружить?

– Для каждого красота представляет собой что-то свое, для меня — это совокупность зрительных образов и какое-то внутреннее ощущение, которая запечатлевается и остается в тебе. Для меня красота — это видеть природу. Я часто вспоминаю слова Тейяра де Шардена, который в своих дневниках писал о том, что не каждому дано видеть природу, что множество людей ее никогда не видели и никогда не увидят. И в этом, пишет Шарден, есть мучение нашей жизни. В этом смысле для меня красота — это наблюдение обыденной реальности, которая не забита какими-то мелькающими яркими картинками. Красота всегда в каком-то смысле ускользает от тебя: ты чувствуешь ее, но никогда не можешь до конца понять, что же такое ты видишь и почему это кажется тебе таким прекрасным. В конечном итоге, у каждого существует своя собственная, всегда ускользающая и всегда хотя бы немного прекрасная реальность.

– Вы уже не впервые выставляете свои работы в «Аптекарском огороде». Почему именно он становится площадкой для экспонирования? Существует ли связь между тем, что хочется передать в своих работах и этим не совсем обычным местом показа?

– Да, конечно, «Аптекарский огород» — это место, где я всегда рада показывать свои работы и надеюсь делать это и в будущем. Огород — это островок природы в самом центре мегаполиса, и мои работы здесь всегда смотрятся очень органично. Серия «Время жизни» — это такая своего рода квинтэссенция осенней меланхолии и, конечно, если бы я выставила эту скульптурную серию в замкнутом пространстве на фоне белоснежных стен, очень многое от этой меланхолии просто исчезло бы. Сам материал моих скульптур очень живой, и он должен жить в близкой себе среде, на этом фоне осенних опадающих листьев, увядающей травы. Именно в таком месте и в таком окружении мои работы как будто оживают, просто смотрятся по-другому. Пока они лежали у меня в мастерской, они были просто вырезанными из тыкв головами, и только когда они попали в огород, у них как будто появилось выражение лиц, какой-то почти околочеловеческий взгляд.

Также важный для меня фактор, присутствующий в «Аптекарском огороде», — это люди, которые приходят сюда. Эти люди идут не за искусством, за ним они пришли бы в галерею, они просто гуляют, прохаживаются по саду, болтают, отдыхают, любуются природой и вдруг посреди своей прогулки сталкиваются с моими работами. Я называют это потрясением первого впечатления. Люди немного как будто столбенеют, начинают удивленно разглядывать скульптуры, долго не понимают, что это такое, потому что они просто не ожидают их тут встретить, встретиться с искусством. Часто людей даже немного пугают мои работы. И мне нравится этот эффект: ты просто расслабленно гуляешь по саду, а тут — выставка, и в ней что-то такое про меланхолию, про время, призывающее к размышлению о бренности жизни и ускользающей красоте, о том, что жизнь прекрасна и что в ней множество ярких моментов, которые нужно ловить и держать… Наверное, именно за вот такое столкновение зрителя с моими работами я и люблю «Аптекарский огород» больше всего, мне нравится, когда люди не готовы встретиться с объектом искусством, потому что они еще не знают, что идут ему прямо навстречу. «Аптекарский огород» — это прекрасное место, где есть природа и где есть зритель, не ожидающий встретить искусства.

– В проекте «Время жизни» вы продолжаете работать с темами мимолетности жизни, смерти и рождения, увядания и забвения. Однако, по сравнению с вашей летней выставкой «Обновление», этот проект получился особенно меланхоличным. Планируете ли вы развивать эти темы в своих будущих проектах, и если да, то какую интонацию выберете для следующих работ?

– Я определенно планирую развивать темы осмысления течения человеческой жизни, такая философская нотка постоянно присутствует в моем творчестве, не знаю, с чем это связано… Иногда у художника в жизни происходит какой-то перелом, и его начинают интересовать подобные темы, он углубляется в них, его работы становятся чуть более трагичными и минорными. Не могу сказать, что у меня в жизни был такой сильный и драматичный перелом, после которого жизнь никогда не вернется к ярким и летним краскам. Скорее, очень сильно на меня влияет окружающая среда, её цвета и фактуры, ведь я часто беру материалы, с которыми работаю, прямо из нее, из реальности, которая непосредственно меня окружает. Поэтому сейчас все вокруг способствует тому, чтобы в меня проникла осенняя меланхолия и отразилась на моих работах и темах, которые мне интересны в этот период года. Для меня вообще очень важна тема внутреннего восприятия художником своих собственных работ, а также восприятие этих работ зрителем. Я поняла, что мне хочется создать серию, в которой не объект кричит что-то зрителю прямо в лицо, а скорее, когда зритель подходит к скромно притихшей работе и начинает слышать, различать в ней что-то свое, очень личное. Такой мягкий, интимный контакт. И в этом контакте все становится важно — и настроение зрителя, и меланхоличная осень, которая его в этот момент окружает, и радостное зеленое лето, которое, как знает этот человек, неизбежно и очень скоро снова наступит. Однако, в какой интонации будут выдержаны мои следующие работы, пока даже для меня самой остается загадкой.

– Какие выставки этим летом и этой осенью особенно запомнились и почему?

– Наверное, самой запоминающейся выставкой из всех, на которых я в последнее время побывала, стал проект под названием «Происхождение цвета» замечательного эквадорского художника Паоло Розера Контрераса в Who I Am Gallery. Меня потрясло то, что художник одновременно является и биологом, и исследователем, и философом: он исследует то, благодаря каким химическим элементам в океане появляются различные цвета, почему кораллы чаще всего красные, а камни на дне океана выглядят фиолетовыми… На выставке в московской галерее (кстати, он впервые оказался в России и впервые привез сюда свои работы) он сделал, на мой взгляд, замечательный объект из очень неожиданного природного материала. Он взял крахмал пятисот разных видов эквадорского картофеля и обработал его по какой-то специальной технологии, так что этот крахмал стал похож на пластик. И из этого крахмала-пластика он создал гамак, который был натянут поперек галереи. Рядом стояли распечатанные на 3D-принтере огромные кораллы, которые запрещено вывозить с Галапагосских островов и за изучением которых он специально туда ездил. Этот художник также активно использует медиум видео: на стенах галереи проецировались его фильмы. В итоге ты погружаешься в среду, которую специально для тебя создал художник, как будто начинаешь находиться внутри странной и красивой, совсем нездешней природы. Это вызвало у меня настоящее восхищение!

Фото из личного архива Анастасии ДУБАЧ

ОСТАВЬТЕ ОТВЕТ

Please enter your comment!
Please enter your name here