— Алина, расскажите, с чего начался ваш путь художника?
— Я родилась на Кавказе, а выросла на острове Сахалин. Рисую с самого детства. Но в художественную школу не ходила, так как с первого класса ухудшалось зрение, и мама боялась, что мелкая работа посадит его окончательно.
Учиться пришлось самой. Я находила в интернете чужие работы и повторяла их на бумаге. Читала книги по рисунку, изучала технику. В семнадцать лет я подала документы в университет архитектуры, дизайна и искусства (Новосибирск), и меня не взяли с формулировкой «нет художественного образования». Поступила на экономиста. Окончила Северо-Кавказский федеральный университет в Ставрополе, но по специальности не работала ни дня: все пять лет я на парах рисовала.
Позже занималась в частной художественной школе с преподавателем. Изучала академическую живопись и рисунок.
Мои первые заказы поступили случайно, в 2020 году. Одногруппница рассказала своему молодому человеку про мои работы. А он на тот момент переехал в новую квартиру и заказал у меня сразу три работы. С того дня я больше не искала себе других профессий. Следующий большой заказ пришел из Москвы — повтор кадра из фильма.
С 2020 года я написала более 100 работ на заказ. Картины уезжали в Калининград, Казахстан, Таджикистан, Канаду. Помимо картин я расписывала пространства: ателье, стоматологию, салон красоты, ресторан, кондитерскую, квартиры и жилые дома. Работала в компании Painty: делала корпоративные проекты — расписывала объёмные арт-объекты для крупных мероприятий, расписывала зонт на синюю дорожку VK Fest для Ларисы Долиной, вела мастер-классы и помогала создавать картины новичкам. Сегодня я работаю уже в своей студии Art Jungle — творческое пространство для художников. У нас регулярно проходят мастер-классы, мероприятия «Палитра Чувств» и индивидуальные программы.
— Откуда черпаете вдохновение? Бывает ли выгорание?
— Вдохновением чаще всего служит посещение различных ярмарок, выставок, галерей, и именно современных. К классическим направлениям я отношусь с уважением, но оно не является для меня основным источником вдохновения, мне больше нравятся современные тенденции.
Это уникальный взгляд, необычное сочетание предметов, оттенков, необычная подача автора, их смыслы, поэтому очень сильно вдохновляют частные галереи.Именно современные авторы и их видение на современные проблемы, реалии жизни.
Выгорание, конечно же, случается. Его на самом деле очень важно вовремя заметить, иначе можно погрузиться в него на достаточно долгий период.
Выгорание, как правило, случается из-за переработки. В моем случае это было, когда я брала потоком слишком много заказов с достаточно сжатыми сроками. В такой момент ощущаешь себя не художником, а скорее принтером, который на скорость, но без потери качества, пытается воссоздать огромное количество работ.
— Что вам ближе — галерейная живопись или интерьерная? Есть ли разница между ними?
— Разница есть. Галерейная работа — это высказывание художника. К ней приходят специально, её смотрят пятнадцать минут, изучают идею и смыслы спрятанные и уходят. Она имеет право быть неудобной, тяжёлой, спорной — в этом её смысл.
Интерьерная работа приходит к человеку домой и живёт с ним каждый день, годами. Она должна выдержать утренний свет и вечерний, смену настроения хозяина, сочетание с диваном, люстрой или вазой. Это совершенно другая задача. Плюс к художественной задаче добавляются инженерные: размер и цвет стены, расстояние, на котором нужно расположить, направление света, сочетание с тем, что уже стоит в комнате.
Если обобщить, то галерейная работа — она больше про смысл, про идею, про зрителя и его взгляд, а интерьерная — она для завершения ремонта, чтобы закрыть последний пазл в квартире и стать единой системой со всем интерьером.
Конечно, есть исключения, когда в квартиру размещают не интерьерные работы, а галерейные, но это уже больше относится к исключению.
Я же больше рассуждала на тему массового потребителя интерьерных картин, как основная масса заказчиков. Для них картина — это элемент мебелировки, как покупка стула. Она может быть яркая, но она является частью системы, проекта.
— Как дизайнеру найти «своего» художника? Важна ли «химия» между ними?
— На мой взгляд, между дизайнером и художником важна не столько химия, сколько одинаковое видение проекта.
Бывают случаи, когда дизайнер достаточно пунктуален, выдерживает все сроки, и у него все распланировано по дням, в то время как бывают художники, которые этим пренебрегают. И для них написать картину не сегодня, а на три недели позже бывает нормально и не критично.
Что, например, для дизайнера это может быть крайне важно, так как у него идут сроки, у него идет сдача и так далее.
Поэтому очень важный момент — это вместе придерживаться определенных взглядов на работу. Другой момент — это самодеятельность. Одни дизайнеры открыты к каким-то новым идеям, вмешательствам, а другие же дизайнеры не готовы к изменению проекта и стараются очень строго ему следовать.
Как правило, художник и дизайнер находятся по плюс-минус схожему стилю интерьера и картин. Например, спокойные пейзажи в бежевых тонах, и дизайнер, который тоже любит более спокойные выдержанные проекты.
Либо же бывают художники, которые любят экспрессивные, яркие, дофаминовые картины, и есть дизайнеры, которые любят именно яркие акцентные интерьеры. В таком случае будет очень хорошее сотрудничество.
Но также нужно не забывать первые два пункта, которые я выше написала — это одинаковый взгляд на сроки и одинаковый взгляд на соответствие ТЗ.
— Какие основные проблемы сегодня на рынке арт-искусства?
— Если брать в данных реалиях, одно из основных проблем на арт рынке является эта ограниченность площадок по продаже. Раньше художники могли продавать на международный рынок свои работы, но с недавних лет все эти площадки закрылись, к сожалению, для России, и в данный момент мы можем работать только внутри страны. Конечно, у нас в России хватает частных галерей, но, как правило, в них есть отбор, что составляет сложность для начинающих художников, у которых еще не выработана концепция, не выработан свой стиль или еще прихрамывает исполнение.
Таким художникам, как правило, очень часто отказывают. А площадок с лёгким доступом для продаж не так много.
Еще, на мой взгляд, недостатком является слабое развитие. Многие художники после выпуска с художественных училищ, как правило, обучены мастерству, но не обучены продажам, не обучены продвижению, работе с налогами, документации и тем, как зарабатывать своим делом, на которое они потратили пять лет своей жизни, а то и более, а как зарабатывать и с чего начинать. Плюс слабо развито знание авторского права. Многие художники часто грешат тем, что копируют работы известных художников, но не знают их последствий. Бывает такое, что сталкиваются уже с судебными претензиями и штрафами по факту.
Не могу не выделить недооценённость интерьерного искусства. Очень часто его сравнивают с классическим, но оно является самостоятельным направлением и не подходит под категорию примитивного, привычного искусства, которое мы встречаем в галереях.
То есть у него совершенно другая роль, требует совершенно других навыков, и интерьерные художники тем самым очень сильно отличаются от художников, академистов, живописцев. Мы все занимаемся одним ремеслом, но цель у работ разная.
— На каком этапе проектирования интерьера вы начинаете заниматься подбором предметов искусства?
— Проектирование интерьера до того, как встала вся мебель на свои места, довольно опасно, поэтому я стараюсь доносить заказчикам, что приступать к планировке искусства нужно в тот момент, когда уже все стоит на своих местах. Единственное, что можно сделать на этапе чернового ремонта, это спланировать, где что будет находиться. Например, диптих над кроватью, большая картина в зале над диваном и примерные сюжеты, исходя из Проекта дизайнера.
Просто бывает такое нередко, что у дизайнера один проект, но в процессе его работы происходят определенные правки по изменению стиля дивана, цвета штор или добавления каких-либо акцентов. Либо же может быть так, что на проекте у дизайнера диван теплого серого оттенка, а потом в жизни привозят совершенно другой холодный оттенок, а картина подобрана под визуализацию.
Поэтому само написание работ лучше оставлять уже на завершение, когда мебель закуплена, все стоит на своих местах. И остается зафиналить все картинами.
В плане последовательности:
Я приезжаю на объект, если это в москве или области, смотрю реальные оттенки цветов, потому что камеры телефона, планшета или фотоаппарата достаточно сильно может искажать цветовую передачу. Поэтому, приезжая на объект, я смотрю реальные цвета стен, дивана, мебели, вазы и стараюсь делать сразу же на объекте выкрасы.
Чтобы потом с этими выкрасами уже в мастерской создавать картины, основываясь на этих оттенках.
— От чего отталкиваться при выборе предметов искусства в уже готовый интерьер: от цветовой гаммы, сюжета?
— Сначала размер и место. Самая частая ошибка в интерьере — маленькая картина на большой стене: она выглядит потерянной, и никакой сюжет её не спасёт. Работа должна занимать примерно две трети ширины того, над чем висит — дивана, комода, изголовья.
Второе: свет и расстояние. Картину, на которую смотрят с двух метров, можно делать подробной, детальной. Работу в конце коридора, которую видят издалека, надо строить крупными пятнами, иначе вся проработка просто не читается.
Третье: сюжет и настроение, и я бы говорила даже не о сюжете, а о том, что человек делает в этой комнате. В спальню — то, на что приятно смотреть уставшими глазами. В кабинет то, что не отвлекает, но держит внимание. В детскую то, что не надоест за пять лет. Конечно, тут еще нужно учитывать вкусовые предпочтения заказчика. Кто-то любит природную тематику, кто-то — абстрактную. А Некоторые предпочитают более объемные текстурные картины, с которыми можно физически контактировать (разные текстуры, элементы шпаклевки, песка, ткани и тд)
И только потом цвет. Причём не «в тон подушкам». Мебель меняется, а картина остаётся. Достаточно одной-двух перекличек: подхватить оттенок дерева, металла, текстиля и всё, работа уже своя в этом пространстве. Мой приём с монохромом и одним ярким акцентом именно поэтому хорошо работает в интерьере: акцент даёт ту самую перекличку, а всё остальное не спорит ни с чем.
— Чего стоит избегать, выбирая картины в интерьер?
— Я бы не рекомендовала гнаться за трендами, так как тренды даже в искусстве живут год, два, максимум три, а картина, как правило, это более долгосрочная покупка.
Также я бы рекомендовала избегать сочетаний с очень временными элементами интерьера. Например, на столе стоит красная ваза, и хочется картину с красным акцентом. Ваза может разбиться, надоесть, уйти в другую комнату, а картина так и останется с ярким пятном. Не всем такой вариант может подойти.
Я бы не рекомендовала экономить на создании картины. Очень часто встречается, что заказчик приходит к художнику более опытному, мастер выставляет крупный ценник за свою работу, и с этой идеей клиенты уже идет к менее известному художнику, начинающему. И получается, что клиент опирается на картинку профессионального художника, но заказывает работу у начинающего, но ожидая результат профессионального. И, к сожалению ожидания и реальность редко встречаются. Деньги выброшены, картина не оправдала ожиданий, на душе осадок, и в целом больше не хочется связываться с темой искусства, а на стену так и нечего вешать.
Также я бы не рекомендовала выбирать картину на основе чужих интерьеров и красивой картинки в интернете. Очень часто бывает, что картина действительно красивая, но она может не подходить в конкретный интерьер, и не все заказчики, к сожалению, это понимают.
Я всегда рекомендую идею клиента примерить в их интерьер. Я прошу выслать фотографию их пространства и делаю 3D-визуализацию картины в конкретный дом, квартиру, офис, и человек уже видит более наглядно результат, который он получит.
И довольно часто от идеи, с которой изначально люди пришли, они отказываются, так как понимают, что в контексте их квартиры, их освещения, данная работа теряет ту красоту, которая, например, она была в другой квартире, и делают выбор в пользу более подходящего сюжета.
И также я рекомендую остерегаться импульсивных покупок после выбора картины и визуализации ее в пространство клиента.
Я рекомендую хотя бы несколько дней, в идеале недельку, переспать с этой картиной, чтобы человек посмотрел несколько раз на свежую голову, на то, как будет выглядеть результат.
Потому что бывает, что настроение ярко-фиолетовое, но через неделю это желание проходит, а картина уже в процессе работы. И не всегда можно изменить просто оттенок, иногда требуется даже переделка всего сюжета, а это дополнительные затраты материалов и времени художника.
— Сколько времени уходит на подбор картин в интерьер?
— Если говорить о подборе эскизов в интерьер, то, как правило, уходит около недели. То есть я сначала задаю вопросы клиенту, чтобы они хотели видеть, какая цветовая гамма, возможно, есть какие-то похожие сюжеты, которые им нравились.
И человек, собирая всю эту информацию, обдумывает, советуется с родными. На это уходит, как правило, 2-3-4 дня. И сам процесс визуализации уходит тоже 1-3 дня, если картин не так много нужно в дом, например, от 1 до 4.
И в течение недели у нас уже оговорены пожелания, цветовая палитра, намечены определённые варианты эскизов. Возможно, такое, что попадание в желание клиента происходит не с первого раза. Соответственно, нужно делать подбор заново.
Поэтому само согласование перед непосредственным заказом может быть от одной недели до двух.
— Сегодня вы уже состоявшийся художник, art-предприниматель и владелец своей студии ArtJungle. Что бы вы посоветовали тем, кто в начале пути?
— Очень многие люди боятся идти в это направление, так как приходят к нему не в 17 лет, когда поступают в институт, а в 30, в 40, в 50 лет. И отсутствие художественного образования еще не делает этот путь закрытым. быть художником можно в любом возрасте.
Для этого нужно просто желание и идея, с которой ты хочешь заявить о себе, что показать этому миру.
Второе — это выставляться. Это на самом деле очень важный и недооцененный момент. Многие творцы живут только на заказах, закрывая заработком свои базовые потребности, но этот путь про здесь и сейчас, но не работу в долгосрок.
И поэтому очень важно подавать заявки на опенколы, на галереи, потому что чем больше будет ваше портфолио, тем больше вы сможете ставить цену за свою работу и расти на мировом арт-рынке как творец, так как все публикации, все выставки, они расширяют ваше портфолио, дают узнаваемость, больше связей, больше сотрудничеств.
Третье — это проверять цену фактом, а не страхом. Многие художники очень сильно не верят в себя и сильно занижают свой ценник, работая две недели за 5000 рублей. Поэтому очень важно объективно себя оценивать, сравнивать себя с рынком и не бояться назвать действительно стоящую цену за свою работу.
Четвёртое — это очень важно: изучить юридические аспекты и работать с дизайнерами, коммерческими заведениями и простыми людьми через договора, так как это даёт безопасность как клиенту, так и самому художнику. А помимо безопасности, это устанавливает определённые границы, определяет порядок оплаты и выстраивает определённые обязанности каждой из сторон.
Также важно изучать это не только для заключения договоров, но и для авторского права. Так как копируя чужие работы, художник подвергает себя риску. Но если он не знает этого момента, и когда он начнёт создавать свои авторские работы, его труд может быть украден. Он не будет знать, что с этим делать, и может потерять право собственности на свою работу, если кто-то первый об этом заявит и подаст патент.
И ещё очень важный момент — пятый: не работать в одиночку. Очень важна среда, так как среди единомышленников ты можешь расти быстрее. Люди — это и вдохновение, и связи, и обратная связь, и помощь. Поэтому очень важно или работать в коллективных мастерских или хотя бы посещать мероприятия, где можно познакомиться, пообщаться с такими же творческими людьми.
