Илья Старилов – видеохудожник, который одним из первых в России стал использовать видеомэппинг и LED-панели в театре, и оформил десятки топовых спектаклей, включая «Левшу» в Театре Наций и «Норму» в МАМТ. А еще у него есть свой продашкн S+AR+HIVE и собственные проекты в области видеоарта. Мы поговорили с Ильей о трендах в медиаискусстве и о том, каково это – быть художником в 21 веке.
– Почему именно видеоарт?
– Видеоарт – это то, благодаря чему можно прикоснуться к своему сну. В реальности крайне сложно визуализировать те образы, которые находятся внутри тебя. Этот момент проявляется, конечно же, и в кинематографе, но в видеоарте он становится максимально важным и существенным. Образы как бы материализуются в этом мире. Поэтому именно видеоарт.
– Какие технологии ты используешь в работе?
– Любые технологии, с помощью которых можно решить нужную задачу. Это может быть 3D-анимация, 2D-графика, генеративная графика или, например, киносъемка. Мне кажется, что именно соединение графики, трехмерных технологий и киносъемки максимально интересно.
– Какие тренды в сфере медиаискусства существуют сейчас?
– Ух! Естественно, сейчас главный тренд – это нейросети. Это виток в развитии цивилизации, который можно сравнить с переходом от человека прямоходящего к человеку разумному. Я думаю, что в целом это некое стремление к чему-то, что люди называют божественным, сверхинтеллектом. Думаю, скоро искусственный интеллект, изменит реальность, бытие, пространство, время и само понимание арта в корне. Сложно предсказать, как именно это будет, но я думаю про сильную связь физиологии, искусственного интеллекта и новых технологий. Плюс, наверное, это управляемые сны и управляемые заказанные сновидения.
– Чтобы прийти к таким новым формам искусства, каким нужно быть художнику уже сейчас?
– В первую очередь быть футурологом, провидцем, предугадывать, что будет через год, десять и сто лет. Быть художником в 21 веке значит не бояться меняться и постоянно интегрироваться.
– Насколько это динамичная сфера? Сильно ли изменилась ситуация в видеоарте, например, за последние 10 лет?
– Очень. На рынок вышли более мощное видеооборудование, широко распространились LED-экраны, технологии стали дешевле, и это добавило больше возможностей. Плюс за это время видеоарт настолько сильно интегрировался в шоубизнес, что стал самостоятельным перформансом. Если раньше применение видеоарта было исключительно фишкой, то сейчас это уже полноценное высказывание и зачастую одна из главных составляющих проекта.
– Расскажи, откуда ты черпаешь вдохновение?
– В первую очередь из фантастики и мифологии, произведений черного романтизма. Это Говард Филлипс Лавкрафт, Уильям Гибсон, Руди Рюкер, Брюс Стерлинг, Герберт Уэллс. «Старшая Эдда» еще очень вдохновляет и сказки Афанасьева. Также знаковый для меня текст – Откровение Иоанна Богослова.
Вообще в своем творчестве я работаю со знаками, и мне интересно взаимопроникновение всех сказок и мифов в единую структуру, которая формирует какие-то мощные системы. Это все то, о чем писал Юнг.
– Каким образом твои работы взаимодействуют со зрителем? Что ты хочешь, чтобы зритель почувствовал, смотря на них?
– Это зависит от задачи, которая ставится. Порой хочется, чтобы зритель почувствовал боль, а порой, чтобы полюбил. Или чтобы остановился его внутренний диалог, и в этот момент он оказался бы в состоянии созерцания и молчания. Но каждый раз я хочу открыть как будто некий портал – это и есть моя главная цель.
– Что нового ты готовишь сейчас?
– Уже второй год мы работаем над одним важным проектом. К нему я подключил невероятно талантливых мультипликатора, композитора и хореографа, недавно присоединились продюсеры. Проект перешел из формы диджитал в форму перформанса, и это все, что я могу сейчас рассказать о нем. Если все будет хорошо, то планируем запуск на эту осень.
– Твоя компания тоже включена в проект? Расскажи, с чего вообще начинался S+AR+HIVE и чем продакшн живет сейчас?
– Да, над этим проектом мы работаем все вместе. Плюс параллельно есть и другие – спектакли, модные показы, музыкальные концерты, различные ивенты и авторские экспериментальные проекты.
Компания начиналась около полутора лет назад с меня и моих друзей – свободных художников, с которыми мы регулярно работали вместе на разных проектах. Затем продакшн стал расширяться: подключилась исполнительный продюсер, мы стали больше и до сих пор набираем обороты. На данный момент занимаемся 2D и 3D-графикой, иллюстрацией, звукорежиссурой, монтажом, композингом, режиссурой – это все разные направления, которые перемешиваются в зависимости от задач. По сути компания построена на принципе комьюнити, и мы вместе развиваемся, учимся, растем от проекта к проекту.
– Имея свой продакшн и будучи не только художником, но и бизнесменом, находишь ли ты баланс между творчеством и коммерческой составляющей?
– Я считаю, что это неотъемлемая часть. И одно друг без друга не может быть. И думаю, что самое важное в творчестве – это получить за него деньги. Так что баланс найден!
